Conocimos a Natalia, Anastasia y Olga, como suele ocurrir, en la criptocomunidad que forma la gente de todas las partes del mundo. Entre los entusiastas que están inmersos en el campo, esta práctica es habitual: los promotores activos de las soluciones digitales están acostumbrados a estar siempre juntos.
Para Natalia Gudovich, artista y autora de varias exposiciones individuales, el tema de NFT no era tan familiar hasta finales de 2021, como ella misma admite. Pero su primera experiencia de digitalización de la colección y su participación en un proyecto junto con Cartier fue un éxito inmediato. Junto con Olga Filatova, productora de NFT, CBDO de la agencia Infinity Art, y Anastasia Omelchenko, propietaria de Omelchenko gallery, formaron una unión exitosa, demostrando que NFT proporciona tanto un espacio para la realización creativa como amplias oportunidades comerciales para los autores y los participantes en el proceso.
Natalia Gudovich: sobre el lado creativo
– Natalia, ¿cómo era tu infancia, a qué te dedicabas cuando dibujaste tu primera tarjeta para tu abuela como regalo? ¿Cómo empezó tu historia creativa?
– Yo siempre era una niña feliz. Eso es lo único que recuerdo. Vivía con mi abuela, que murió de cáncer cuando cumplí 9 años. Como consecuencia de ello, todos los recuerdos de mi infancia se borraron. Pero me decían que yo era muy activa y que sí, me encantaba dibujar. Yo pintaba con todo lo que podía y donde veía algún espacio libre.
Tuve un encuentro más consciente con el arte cuando nos mudamos y me apunté a una de las mejores escuelas de arte de Moscú, la 548 en Tsaritsyn. Había una atmósfera y gente a la que querí
– ¿Cómo te inspiras? ¿Hay algún pintor, performer, músico o escritor que te ayude a encontrar ese estado de ánimo especial para crear?
– Me inspiran las ideas en la intersección del pensamiento, la técnica y la observación. Me inspiran los proyectos a gran escala y los procesos globales. Siempre recurro a los clásicos, porque hoy somos propensos a la percepción superficial (reflejo de la realidad por los sentidos – nota del editor), mientras que yo busco una percepción más profunda, a nivel sensorial y lógico.
Pero en general, al principio formulo una pregunta sobre el tema para el que necesito una imagen. A menudo lo encuentro inmediatamente después de una solicitud clara. Por ejemplo, cuando estuve en Carrara por primera vez con Aidan Salakhova, estaba buscando una imagen para el tema “Anabiosis”, mi trabajo de diploma en el Instituto Estatal de Arte Académico de Moscú del nombre de Vasili Súrikov, y vi sombrillas de playa dobladas. De estos bocetos nació una grande y muy exitosa serie de pinturas. Y sigo pensando, ¿les habría prestado atención si no existiera una demanda interna? Probablemente no. Tienes que saber qué buscar, entonces lo encontrarás.
Aidan Salakhova es una de las figuras clave de la escena artística rusa contemporánea, pintora y tutora, galerista y profesora. Fue una de las primeras en crear una galería privada de arte contemporáneo en Moscú. Aidan Salakhova fue una de las primeras en el espacio postsoviético en trabajar con temas sobre los roles de género y la posición de la mujer.
– ¿Cómo nació la idea de los cuadros incluidos en el drop con Cartier?
– Creo que es una historia natural, aunque parece una serie de acontecimientos y encuentros aleatorios. Ilya Popov de la agencia Infinity Art en la feria Cosmoscow, nos ofreció a Anastasia y a mí comprar mi obra AMORE E PSICHE por criptomoneda. Acordamos. Entonces se enteró de que estábamos haciendo un proyecto con Cartier y se ofreció a hacer NFT para esta historia. No creí en la eficacia de los tokens hasta el último momento, pero nos fue bien, tanto en términos de relaciones públicas como de ventas.
– ¿Hay alguna historia interesante relacionada con el proceso de creación de los cuadros que se exhibieron en la Maison Cartier en Stoleshka?
Sí, esa historia ocurrió después. Cartier me envió un regalo después de la exposición y el servicio de mensajería no pudo entregarlo durante toda una semana porque no pudo encontrarme en Moscú. Deseo que todos tengamos vidas interesantes y activas, pero que los regalos del destino nos encuentren más tarde.
– ¿Cuáles fueron tus impresiones de tu primera venta de cuadro en forma de NFT? ¿Qué opinas del crecimiento explosivo de la tokenización en el campo del arte?
– Mis impresiones fueron muy moderadas, porque en ese momento no sabía qué hacer con ese dinero digital. El NFT se hizo popular porque es una herramienta conveniente para, vamos a decir, invertir. Dinero nuevo sin regulación gubernamental. Gracias a los tokens, por fin es posible demostrar la singularidad de las obras digitales, lo que permitió a los artistas y diseñadores que utilizan nuevas media plataformas acceder al mercado del arte. Antes, les resultaba muy difícil monetizar su arte.
– ¿Qué tipo de arte crees que es el futuro? ¿Sigues planeando otra experiencia similar con NFT u otros formatos digitales?
– El futuro es a la vez digital y tangible. Sólo que algunas personas preferirán una forma y otras otra. Creo que la mayoría de la gente pronto no tendrá acceso a los museos, y mucho menos a las exposiciones de colecciones privadas, pero podrá visitar una exposición virtual con sus lentes de RV.
Anastasia Omelchenko: la opinión de una galerista
– Anastasia, siempre me ha interesado saber de primera mano cuál es la principal tarea de un galerista. ¿Cómo sabes si estás ante una futura obra maestra o un proyecto artístico comercial que podría utilizarse como caso de éxito?
– El principal reto para un galerista es encontrar a sus artistas, aquellos cuyo arte te toca, los que te ponen la piel de gallina. Sabes enseguida que estás mirando en la misma dirección que el artista. La relación artista-galerista es como un matrimonio: os convertís en socios a largo plazo y trabajáis juntos para ir vuestro propio camino. La confianza, el respeto y la apertura a nuevas ideas son esenciales.
En cuanto al componente comercial y la noción de obra maestra, esto es muy subjetivo. Son muchos los factores que influyen en el precio de la obra de un autor: su trayectoria creativa, su formación, las exposiciones personales y colectivas, la participación en ferias rusas y extranjeras y las colaboraciones. Al mismo tiempo, todo lo anterior es absolutamente imposible si la obra de un artista no despierta un interés real en el espectador, no le conmueve o está mal ejecutada.
La obra tiene que dejar una huella en la memoria y, por cierto, no siempre tiene que evocar emociones agradables.
Una vez hice un experimento para mí en ART Basel: hice una lista de obras que compraría para mi colección y las pedí. Pues todas fueron compradas por coleccionistas o instituciones prestigiosas el primer día de preestreno. La conclusión es que tomé la decisión correcta. Confío en mi gusto e intuición. Desde muy temprana edad he estado inmersa en el contexto, tengo una enorme visión. Para mí el arte es la vida, donde cada día ocurre algo nuevo, cambia y yo también, y a veces los artistas y yo lo cambiamos juntos.
– ¿Cómo fue tu encuentro con Natalia? ¿Cuál fue el catalizador, cómo supisteis que era precisamente lo que estáis buscando las dos?
– Natalia y yo nos conocemos desde hace mucho tiempo, ambas estudiamos en el Instituto Estatal de Arte Académico de Moscú del nombre de Vasili Súrikov, Natalia es unos años más joven, pero como estábamos en facultades diferentes no nos comunicamos mucho. Dos años después de la apertura de la galería, los chicos de la Untitled Foundation vinieron a mí con su primer proyecto: una exposición individual de Natalia Gudovich, «El sistema de anabiosis», y me propusieron que la hiciéramos juntos. Fue en esa exposición donde se presentaron por primera vez los famosos «Paraguas» de Gudovich. La exposición tuvo un gran éxito, excelentes críticas, los cuadros entraron en importantes colecciones, pero lo más importante es que Natalia y yo nos conocimos de nuevo como artista y galerista.
Tres meses después, mi galería Omelchenko gallery representó a Natalia Gudovich en Cosmoscow. Y teníamos muchas cosas emocionantes por delante, como la feria Aqua durante Miami Art Basel. Durante este tiempo, Natasha ha creado varias series importantes: ANABIOSIS, NEW HUMANITY, EDEN y, por supuesto, Medaglioni, inspirada en el arte de la alta joyería de Cartier. En un futuro próximo estamos planeando una exposición de Natalia y Kay Salakhov en el MOMA.
– ¿Qué parte del trabajo dentro del proyecto Medaglioni recayó sobre ti?
– Aspectos organizativos. Inicialmente, este proyecto sólo estaba previsto offline. Una vieja conocida mía, y después de ese proyecto me alegra decir que mi amiga, el proyecto nos acercó mucho, vino a la galería con un colega, y se enamoraron de las obras de Natalia, se convirtieron en felices propietarios de ellas y nos ofrecieron hacer un proyecto con la Maison Cartier. Por supuesto, Natalia y yo estuvimos de acuerdo y empezamos a trabajar activamente en ello, conocimos más sobre la marca, las joyas exclusivas, e incluso me probé un colgante, que existe en un solo ejemplar.
Medaglioni es una serie de 6 piezas, cada una de las cuales representa una emoción capturada al entrar en contacto con el mundo de la joyería Cartier. Las obras tienen la forma y el estilo de las medallas que los antiguos comandantes romanos recibían por sus victorias militares. Dentro de la forma, la artista colocó figuras y retratos de jóvenes Madonnas.
Al mismo tiempo, conocí a Ilya Popov en Cosmoscow y él decidió comprar el trabajo AMORE E PSICHE, pero por criptomonedas. Llamé a Natasha para pedirle consejo y le conté todo. Me dijo «Vale, haz lo que creas que es correcto». Es una historia sobre un artista y un galerista que confían el uno en el otro.
Durante la conversación, Ilya habló de su agencia y se ofreció a hacer NFT para la serie Medaglioni. Todos los procesos de aprobación y autorización de ambas partes pasaron por mí. Me convertí, por así decirlo, en el puente entre lo offline y lo online. Y, en mi opinión, ¡ha funcionado muy bien!
Por cierto, las obras de la serie EDEN, incluida AMORE E PSICHE, pronto serán representadas en forma de NFT en Foundation, y las pinturas de Natalia se podrán ver en vivo en la Omelchenko gallery en Moscú.
Olga Filatova: sobre el trabajo con pinturas NFT
– Olga, ¿podrías contarnos cómo nació la idea de convertir las obras de Natalia en NFT?
– Junto con mi socio en la empresa Infinity Art, Ilya Popov, fundador del estudio de animación Riki Group, visitamos la Feria de Arte de Cosmoscow en otoño de 2021. Nos llamó especialmente la atención el stand de Omelchenko gallery, donde se exponían obras de Natalia Gudovich. A Ilya le gustó mucho una de las obras, y al conocer a las chicas decidimos intentar hacer algo interesante juntos. El artista tenía y tiene un estilo especial y único y un gran potencial creativo, y nosotros tenemos una gran experiencia en la producción digital y la creación de NFT. Combinando nuestras competencias, decidimos iniciar una colaboración.
– ¿Qué papel asumió la agencia? Creo que a todos los que están evaluando sus capacidades en NFT de una forma u otra les interesará conocer el proceso.
– Yo no nos llamaría agencia, preferimos la definición de Digital art label. Nos adentramos en los proyectos con cocreación y coinversión, intentamos no ser sólo ejecutores de tareas.
Técnicamente lo que hemos hecho:
– tomamos las obras físicas de Natalia, inspiradas en las joyas exclusivas de la marca Cartier, las digitalizamos, las animamos, agregamos efectos;
– desarrollamos una estrategia de precios y circulación;
– publicamos un drop en el mercado Binance y conseguimos el apoyo del mercado;
– conectamos nuestros departamentos internos de marketing y ventas a participar en la promoción.
– ¿Y qué fue lo que más tiempo consumió en la implementación del proyecto?
– Diría que lo que más tiempo me llevó fue determinar el precio y la circulación, porque el mercado de NFT no está bien regulado… y las leyes aún no se han establecido. Así que la estrategia de ventas está determinada a ciegas si se puede decir así.
Hicimos que todo el equipo participara en la discusión, pensamos en la mecánica, hicimos un análisis de proyectos similares y tomamos, creo, la decisión correcta.
– ¿Cómo evaluarías los resultados de esta colección NFT?
– Daría 9 de 10. Todo se unió en un rompecabezas armonioso: una gran artista, una galería muy conocida, una marca global, nuestro equipo coordinado, la experiencia y las conexiones en el campo de NFT.
En los primeros días se agotaron la mayoría de los puestos. Por cierto, las piezas más caras se agotaron primero, lo que realmente me sorprendió, ya que los precios eran elevados. La subasta para el trabajo más caro fue inesperadamente genial: una oferta se colgó durante 6 días, y en la última hora comenzó una batalla, y un tipo mató a todos un segundo antes del final de la cuenta atrás. Yo no me di cuenta, el precio sólo cambió al actualizar la página.
La serie NFT basada en obras de Medaglioni expuesta en Cartier de Moscú, constaba de 31 tokens de distinta exclusividad. Se vendió en subasta un token exclusivo de NFT basado en las seis obras de la artista.
– En tu opinión, ¿qué crees que es importante tener en cuenta para los artistas actuales que quieren probar suerte en el arte digital y subirse a la ola del hype con la tokenización, comenzando a trabajar en esta dirección?
– Es importante tener en cuenta que lo principal en este campo ahora mismo es la comunidad. ¡No puedes hacerlo solo! Definitivamente, vale la pena unirse a grupos de personas con ideas afines (artistas, coleccionistas, productores) y contribuir al desarrollo de la esfera. Pensar que un artista por sí solo puede hacer algo en este campo es fundamentalmente un error. Ayuda mutua, apoyo, asociación, colaboración: estos son los principales conceptos del mercado actual de NFT.
